대담하게, 강렬하게, 장난스럽게!

“사실상 지금 현대인들은 지금까지도 팝 시대 형성된 사회의 여파가 남긴 후유증 속에서 살고 있는지도 모른다. 그 당시 떠오르기 시작한 아이디엔티티 (identity), 상업주의 (commercialism), 대중문화 (popular culture)를 둘러싼 쟁점들은 지금도 생생하게 지속되고 있다. 대중이 유명인사나 연예인을 숭배하는 현상은 예나지금이나 하나도 변하지 않았다. 게다가 인스타그램 같은 신기술 덕택에 누구나 15분 동안의 유명세 (15 minutes of fame)를 누릴수도 있게 됐다.”고 이번 전시를 기획한 마틸다 오로프-오르스 (Matilda Olof-Ors) 큐레이터는 논평한다.

“팝(Pop)” 즉 대중이라는 어휘가 미술과 연계된 개념으로 구축되기 시작하던 1960년대 초, 여전히 추상표현주의 계열의 진지하고 근엄한 회화 사조와 개념주의 미술이 주도하고 있던 뉴욕의 미술계의 권위주의를 박차고 재스퍼 존스 (Jasper Johns), 알프레드 레슬리 (Alfred Leslie). 로버트 라우셴버그 (Robert Rauschenberg), 리쳐드 스탄키비츠 (Richard Stankiewicz)가 가장 먼저 미술 속에서 대중문화적 요소를 불어넣기 시작했다. 이어서 1960년대말이 되자 앤디 워홀은 유럽에서 개인전은 열 정도로 유럽에서 주유 미술사조로 인정받았다.

물론 디자인도 팝 아트 미학과 미감으로부터 강한 여향을 받았다. 일찍이 유럽 (특히 이탈리아와 독일)과 미국에서는 1950년대부터 제조업계는 디자인을 산업에 연계시킨 산업디자인을 구축시키고 상품 개발 단계에서 팝 아트의 미학을 적극 수용했다.

특히 찰스와 레이 이임즈 부부의 가구 디자인, 알렉산더 지라르 (Alexander Girard)의 포오크 직물디자인, 베르너 판톤 (Verner Panton)의 미래주의 팝 가구와 인테리어, 에토레 솟사스 (Ettore Sottsass), 영국 아방가르드 스튜디오 65, 스튜디오 DA(Studio DA), 수퍼스튜디오 (Superstudio) 등은 바로 그 팝 아트와 디자인 사이의 교량 역할을 한 대표적인 20세기 디자이너들로 꼽힌다.

이 전시는 본래 비트리 디자인 뮤지엄이 기획했다. 현재 스톡홀름 근대 미술관에서의 전시가 끝나면 덴마크 루아지아나 근대미술관,  런던 바비컨 아트 갤러리로 차례로 옮겨져 순회전시를 계속할 예정이다. 스톡홀름 근대미술관에서 열리는 이번 전시는 2013년 6월 29일부터 9월29일까지. All Images Courtesy of Moderna Museet Stockholm.