Tag Archives: Pop Art

세태를 향한 직선적이고 요란한 논평 – 1960년대 독일의 팝아트

GERMAN POP

독일에서도 팝아트가 있었다? 팝아트는 1960년대 영국과 미국의 일부 미술가들이 주도되어 시작된 지극히 영미권적미술 미학이라 알려져 있다. 독일, 특히 동과 서로 두 국가과 체제권으로 나뉘어져 있던 통일 전 독일에서 서독에서도 자체적인 팝아트 미술 사조가 전개되었다는 사실은 이때까지 대체로 백안시되어 왔던게 사실. 그러한 사실에 착안해 독일에 있는 프랑크푸르트 시른 쿤스트할레에서는 11월 6일부터 내년 2월8일까지 독일 특유의 팝아트의 성격과 그 속에 담긴 사회비평적 특성을 살펴보는 전시회 『독일 팝(German Pop)』 전이 열린다.  전시회 작품 보기

만프레트 쿠트너(Manfred Kuttner), 『타자기(Schreibmaschine)』 1963년, 재료: Typewriter, painted with fluorescent tempera paint, installed on wood 57.8 x 57.8 x 18.7 cm. Stiftung Museum Kunstpalast, Düsseldorf Inv.-Nr. 0.1996.8 Photo: Andreas Hirsch © Estate Manfred Kuttner.

만프레트 쿠트너(Manfred Kuttner), 『타자기(Schreibmaschine)』 1963년, 재료: Typewriter, painted with fluorescent tempera paint, installed on wood 57.8 x 57.8 x 18.7 cm. Stiftung Museum Kunstpalast, Düsseldorf Inv.-Nr. 0.1996.8 Photo: Andreas Hirsch © Estate Manfred Kuttner.

영국에서 리쳐드 해밀턴이 “’오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?’라는 화두로, 대서양 건너편 미국에선 앤디 워홀과 로이 리히텐스타인이 수퍼마켓 제품 포장을 배껴 그리는 것으로써 팝 아트의 본고장 영국과 미국에서 팝 아티스트들은 20세기 후반기 평화 속의 대량생산 대량소비 사회의 갖가지 대중문화 이미지와 라이프스타일을 널리 대중문화의 보편화 현상이자 거부할 수 없는 현실로 인정하며 미술 작품으로 영구히 기록해 찬양했다. 반면 서독의 미술가들 사이에서 전개된 독일판 팝 아트에서는 이 새로운 경제문화 현상이 낳은 일상적 진부함과 소시민적 안일함을 비꼬고 조롱하는 정치적 논조가 더 지배적이었다.

팝 아트가 도시적 미술 형태라는 점, 그리고 이 4 도시가 과거 서독의 경제와 무역을 이끈 주요 도시들이라는 점에서 과거 서독의 핵심 팝 아트의 중심지로서 뒤셀도르프, 베를린, 뮤니히, 프랑크푸르트 4대 도시가 중대한 역학을 했다고 본다. 이들 4 도시들은 저마다 색다른 방언이 있듯이 저마다 다른 ‘시각언어’로 독일식 팝 아트를 발전시켜 1960-1970년대 당시 유럽을 사로잡았던 소비사회 세태를 직설적으로 비판하는 자세를 취했다. 서독의 팝 아트는 젊은 세대들이 기성세대와 가치관에 반항하기 위한 문화운동의 수단으로 활용되었다는 점에서 대중적 이미지를 마냥 찬양하고 글래머화하던 영미권 주류 팝 아트와는 동기부터 달랐다.

람베르트 마리아 빈터스베르거(Lambert Maria Wintersberger) 『분열 제10번(Spaltung 10)』, 1969년, Acrylic on canvas 140 x 115 cm. Museum Morsbroich, Leverkusen © VG Bild-Kunst, Bonn 2014 Photo: Friedrich Rosenstiel, Cologne.

람베르트 마리아 빈터스베르거(Lambert Maria Wintersberger) 『분열 제10번(Spaltung 10)』, 1969년, Acrylic on canvas 140 x 115 cm. Museum Morsbroich, Leverkusen © VG Bild-Kunst, Bonn 2014 Photo: Friedrich Rosenstiel, Cologne.

서독식 팝 아트가 가장 먼저 두드러지게 표출되었다고 평가되는 도시 뒤셀도르프에서, ‘독일 팝’이라는 어휘는 게르하르트 리히터가 제일 처음 사용해 알려졌다. 콘라트 클라펙(Konrad Klapheck), 만프레트 쿠트너(Manfred Kuttner), 콘라트 루에크(Konrad Lueg), 지그마르 폴케(Sigmar Polke), 게르하르트 리히터(Gerhard Richter) 같은 일군의 젊은 화가들이 1963년 일명 ‘자본주의적 사실주의(Capitalismt Realism)’로 이름한 서독판 팝 아트 운동을 이끌었다.

제2차 세계대전 패망 이후 라인강변의 기적의 경제재건을 이룩하며 뒤셀도르프와 라인란트를 배경으로 이 자본주의적 사실주의 팝 아티스트들은 지독하게 추상적이고 현실도피적이던 앵포르멜 회화를 버리고 어두웠던 20세기 전반기 독일의 역사를 재평가해 그림으로 그린다는 묵직한 사명감을 주창했다.

정치와 무거운 역사의 수도 베를린의 팝 아트계는 뒤셀도르프 미술 아카데미서 베를린으로 대거 이동해 온 화가들 – 볼프 포스텔(Wolf Vostell), KP 브레머(KP Brehmer), 헤르베르트 카우프만(Herbert Kaufmann) 등 -이 모여 결성됐다.

소비주의 시대가 조장한 소란스럽고 통속적인 세상에서 벗어나 베를린 안 ‘자유세계(Free World)의 섬’에서 조용하게 작업하고 싶다고 선언한 K.H 훼디케(K.H. Hoedicke)나 람베르트 마리아 빈터스베르거(Lambert Maria Wintersberger) 같은 화가들은 1964년 그로쓰괴르셴 35(Grossgoerschen 35)라는 화가들이 주도가 된 화랑을 차리고 그 때까지 유럽 미술계를 숨막히게 잡아쥐고 있던 앵포르멜(Art Informel)과 타시즘(Tachisme)을 전격 배척하고 현실에 기반한 회화로 되돌아가자고 선언했다.

토마스 바이를레(Thomas Bayrle) 『에이잭스 세척제 용기(Ajax)』 1966년. MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main Photo: Rudolf Nagel, Frankfurt am Main.

토마스 바이를레(Thomas Bayrle) 『에이잭스 세척제 용기(Ajax)』 1966년. MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main Photo: Rudolf Nagel, Frankfurt am Main.

그러나 미술사학자들은 독일 특유의 팝 아트의 요람을 프랑크푸르트로 꼽는다. 예나 지금이나 엄밀히 말하건대 프랑크푸르트는 미술의 중심 도시는 아니다. 2차 대전 후 아메리카-하우스(Amerika-Haus)라는 별명으로도 불리던 미군 본부가 설립되었고 미국식 쇼핑몰 거리 차일레(Zeile), 거대한 국제 공항, 세계적인 은행 본사 사무소, 독일  증권거래소가 본부를 두고 있는 가장 미국적인 금융 도시가 바로 프랑크푸르트다.

그러나 토마스 바이를레(Thomas Bayrle)나 페터 뢰어(Peter Roehr) 같은 당시 젊은 서독 출신 화가들은 프랑크푸르트의 바로 이 미국친화적 특성을 감지하고 독일 팝 아트로 직결시켰다. 이 두 화가는 대중 소비자를 상대로 대량생산판매되기 시작한 샴푸, 인스턴트 커피, 가전제품을 신문, 잡지, TV를 통해 떠나갈듯 선전하는 당시 광고 이미지로부터 영감받아 소비주의성 자본주의의 프로파간다성과 저급한 상업주의 이데올로기를 미술로 드러냈다.

한편 뮤니히에서 활동하던 젊은이들, 예컨대 SPUR, WIR, GEFLECHT 같은 아티스트 단체들은 대중만화책에 등장하는 대화 풍선 같은 요소를 그림에 도입하는 등 팝 대중문화에 대한 의구심을 품었던 한편으로 대중소비주의 미학에 담긴 특유의 미학에 야릇한 매력을 느꼈다. 이 젊은 화가 단체들은 급기야 예술가 홀로의 고독한 천재성이라든가 창조의 유일무이성 같은 신화에 의문을 가하기도 했지만 집단적 미술 창조라는 측면에서 결정적인 변혁을 이끌어내지는 못했다.

영미식 무비판적, 소비문화 찬양적 “코카 콜라 식민화(Coca-Colonization)”과는 아주 다른 목소리와 색채를 띠었던 서독의 팝 아트는 자본주의 상업문화와 소비주의 문화를 비판하며 일찍이 포스트모더니즘인 입장을 취하고 있었다. 그런 만큼 영미식 팝 아트에서 느껴지는 가벼움와 글래머는 찾아보기 어렵다.

그래서 독일식 팝 아트는 일반 관객에게 어딘지 모르게 무겁고, 철학적이다 못해 따분하게 느껴지진 않을까? 어느 정도 그럴지도 모른다. 그러나 이 미술 운동이 1968-69년 유럽, 미국, 일본의 청년들을 문화혁명이라는 저항과 운동으로 불거지기까지 저변에 들끓던 의식의 발현이었다는 점은 미술사학적으로나 사회문화사적으로 주목할 만하다. 『독일 팝(German Pop)』 전은 독일 금융의 중심도시 프랑크푸르트에 있는 시른 쿤스트할레에서 2015년 2월 8일까지 열린다. Images courtesy: Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main.

대담하게, 강렬하게, 장난스럽게!

팝 아트 디자인

KIM_2630_NY_300

로이 리히텐슈타인 (Roy Lichtenstein) 『Image Duplicator』, 1963년 작품 © Roy Lichtenstein.

POP ART DESIGN – STOCKHOLM 20세기 중엽, 팝 아트는 온세상에 그 이전과는 전혀 다르고 과격한 시각문화를 선사했다. 팝 아트가 소개되자 마자 전세계 인류는 새로운 문화 아이덴티티라는  참신하고 매력적인 꼬까옷으로 새 단장하기 시작했다.

대량생산체제에 의존한 대량소비 라이프스타일, 유명인과 연예인을 향한 동경, 나날이 번창해 나간 광고산업과 인쇄산업이 그같은 전격적인 신시대 개막을 뒷바침했다.

스톡홀름에 있는 근대미술관 (Moderna Museet)에서는 워홀, 라우센버그, 헤이워드, 리히텐스타인, 이임즈 부부, 판톤, 카스틸리오니, 넬슨, 솟사스 등 팝 아트의 영향 아래서 현대 미술과 산업용품을 정리해 본 전시회 『팝 아트 디자인 (Pop Art Design) 』전을 지난 주인 6월29일부터 전시하고 있다.

오늘날 이른바 팝 아티스트라 일컬어지는 미술가들이 활동했던 당시는 라디오와 텔레비젼이 일반대중들의 가정으로 속속 침투하기 시작한 때, 이른바 ‘대중미디어 (Mass Media)의 시대’였다. 동시에 때는 광고산업과 일상품의 대량생산체제가 가속화되며 전세계는 잠재시장으로, 대중은 소비자로 비춰지기 시작했다. 전후 시대 유럽과 미국의 미술가들과 디자이너들은 이토록 전격적으로 새로운 경제적・사회적・문화적 변화를 포착해 시각예술로 옮겨 표혔했다.

NM5813_300

제임스 로젠퀴스트 (James Rosenquist) 『I Love you with my Ford』 1961년 작품. Moderna Museet Collection © VG Bild-Kunst, Bonn 2012 Photo: Moderna Museet / Stockholm.

1950년대 이후 사회 속 구미인들은 텔레비젼, 신문, 잡지가 쏟아내는 대중매체, 상품광고, 로고타입, 상품포장지를 일상 속에서 접하면서 그로 인상받은 새로운 미감에 속속 익숙해져 갔다.

2차 대전이 끝나고 냉전기로 돌입했지만 물질적 생활 면에서 전에 없이 넉넉하고 편해진 풍요와 안락의 시대, 사람들은 가문 땅에 비가 스며들듯 이 온갖 상업용품, 제품 이미지, 광고에 담긴 소비주의 시각기호들을 거침없이 – 별다른 선입견이나 비평 없이 – 빨아들였다.

“사실상 지금 현대인들은 지금까지도 팝 시대 형성된 사회의 여파가 남긴 후유증 속에서 살고 있는지도 모른다. 그 당시 떠오르기 시작한 아이디엔티티 (identity), 상업주의 (commercialism), 대중문화 (popular culture)를 둘러싼 쟁점들은 지금도 생생하게 지속되고 있다. 대중이 유명인사나 연예인을 숭배하는 현상은 예나지금이나 하나도 변하지 않았다. 게다가 인스타그램 같은 신기술 덕택에 누구나 15분 동안의 유명세 (15 minutes of fame)를 누릴수도 있게 됐다.”고 이번 전시를 기획한 마틸다 오로프-오르스 (Matilda Olof-Ors) 큐레이터는 논평한다.

Lousiana_1272 Claes Oldenburg_x_300

클레이스 올덴부르크 (Claes Oldenburg) 『담배꽁초 습작 (Fagend Study)』 1968/76년 작품. Louisiana Museum of Modern Art © 1968/76 Claes Oldenburg.

“팝(Pop)” 즉 대중이라는 어휘가 미술과 연계된 개념으로 구축되기 시작하던 1960년대 초, 여전히 추상표현주의 계열의 진지하고 근엄한 회화 사조와 개념주의 미술이 주도하고 있던 뉴욕의 미술계의 권위주의를 박차고 재스퍼 존스 (Jasper Johns), 알프레드 레슬리 (Alfred Leslie). 로버트 라우셴버그 (Robert Rauschenberg), 리쳐드 스탄키비츠 (Richard Stankiewicz)가 가장 먼저 미술 속에서 대중문화적 요소를 불어넣기 시작했다. 이어서 1960년대말이 되자 앤디 워홀은 유럽에서 개인전은 열 정도로 유럽에서 주유 미술사조로 인정받았다.

물론 디자인도 팝 아트 미학과 미감으로부터 강한 여향을 받았다. 일찍이 유럽 (특히 이탈리아와 독일)과 미국에서는 1950년대부터 제조업계는 디자인을 산업에 연계시킨 산업디자인을 구축시키고 상품 개발 단계에서 팝 아트의 미학을 적극 수용했다.

01_Studio65_Leonardo_400

Studio 65가 디자인한 『레오나르도 소파 (Leonardo, sofa)』 1969년 작품. Collection Vitra Design Museum © Studio 65. Photo: Andreas Sütterlin.

특히 찰스와 레이 이임즈 부부의 가구 디자인, 알렉산더 지라르 (Alexander Girard)의 포오크 직물디자인, 베르너 판톤 (Verner Panton)의 미래주의 팝 가구와 인테리어, 에토레 솟사스 (Ettore Sottsass), 영국 아방가르드 스튜디오 65, 스튜디오 DA(Studio DA), 수퍼스튜디오 (Superstudio) 등은 바로 그 팝 아트와 디자인 사이의 교량 역할을 한 대표적인 20세기 디자이너들로 꼽힌다.

이 전시는 본래 비트리 디자인 뮤지엄이 기획했다. 현재 스톡홀름 근대 미술관에서의 전시가 끝나면 덴마크 루아지아나 근대미술관,  런던 바비컨 아트 갤러리로 차례로 옮겨져 순회전시를 계속할 예정이다. 스톡홀름 근대미술관에서 열리는 이번 전시는 2013년 6월 29일부터 9월29일까지. All Images Courtesy of Moderna Museet Stockholm.

판톤 판타지

VERNER PANTON AT HOFMOBILIENDEPOT VIENNA

세계 최초로 휘청거리는 플라스틱 의자를 디자인해 60년대 가구 디자인의 아이콘을 창조한 덴마크 출신의 전설적인 디자인 베르너 판톤 (Verner Panton, 1926-1998). 그의 디자인 회고전이 빈 황제 가구 박물관 (Kaiserliches Hofmobiliendepot)에서 전시중이다.

panton-300x300

판타지 룸, 1970년도 작품. Photo courtesy Vitra.

독일의 비트라 디자인 미술관이 기획한 이 순회전시에서는 그 유명한 초기작 ‘판톤 의자 (Panton Chair)”에서 가장 최근의 “환다지 룸 (Phantasy Room)”을 비롯하여 환상적인 이미지와 우아한 곡선이 돋보이는 대표작들을 전시하고 있다.

판톤이 디자인계이 주목을 받기 시작한 시기는 50년대 말부터. 판톤의 초기 활동기부터 줄곧 제품의뢰와 생산 판매를 맡아왔던 비트라 디자인 미술관(독일 라인 소재)은 그래서 작가의 거의 전 작품들과 스케치 등을 시기별 제품별로 소장하고 있어 60년대 이후 판톤 디자인의 변천사를 가장 완벽하게 재구성하고 있다.

특히 이번 전시에는 실내장식과 가구제품 이외에도 작가가 시도한 직물 디자인도 함께 선보이고 있다. 서로 동떨어진 아이템으로서가 아니라 실내 디자인의 전체적인 분위기를 경험할 수 있는 통합적인 전시라는 점이 눈에 띈다.

2차대전 이후 독일의 바우하우스의 아성이 차츰 약해지면서 서구 디자인계에 고개를 들기 시작한 스칸디나비아 가구 및 건축 전통은 60년대와 70년초까지 이어졌다. 유기적인 형상을 연상시키는 기상천외한 형태와 대담한 원색으로 우아한 기능주의를 표방했던 그의 작품은 일견 안토니 가우디 (Antoni Gaudi)의 환상주의를 떠 올리기도 한다. 일평생 그는 자유분방한 재미 (fun)와 위트를 잃지 않는 강한 실험주의자인 한편으로 지극히 꼼꼼한 체계주의자였던 걸로도 유명하다.

시대별 제품별로 구성된 이 전시의 도입부는 판톤의 경력발달사를 고찰하는 것으로 출발한다. 덴마크 코펜하겐의 쿤스트아카데미에서 디자인을 공부하고 1950-52년까지 아르네 아콥센 (Arne Jacobsen) 디자인 사무실에 일하면서 “개미”의자를 만들었고, 그를 국제적인 디자이너로 만든 “꼬깔 의자 시리즈”를 디자인했다.

conechair-300x189

판톤의 대표작 심장 꼬깔 의자 (Heart Cone Chairs)는 1959년 작품으로 미키마우스의 귀를 연상시킨다. Photo courtesy Vitra.

이후 프라츠 한센, 루이스 풀센, 토넷, 헤르만 밀러, 비트라, 로열 코펜하겐, 로젠탈 등 유수의 브랜드와 함께 작업했다. 특히 60년대는 판톤의 전 시기 가운데에서 가장 폭발적인 시기였는데 “화분” 램프와 “판톤의자” 독일 론트하임에 있는 레스토랑 “아스토리아” 인테리어 디자인은 그때 작품들이다.

램트 디자인은 감성, 색채, 형태, 체계가 결합한 스칸디나비아적 특성을 가장 잘 대변한 디자인으로 꼽힌다. “환다지 룸”에서도 볼 수 있듯이 그는 또 램프의 조명와 은밀하게 조응하는 직물 디자인과 벽면 장식 디자인에도 큰 관심을 갖고 있었던 걸로 보이며, 재료로는 에나멜과 종이를 즐겨 사용했다.

판톤의 환상적 기능주의 양식은 90년대의 인체공학적 (Ergonomics) 디자인의 유행에 힘입어 다시 한 번 큰 성공을 거둔바 있다. 『베르너 판톤(Verner Panton) 디자인 회고전』 
2001년 4월 6일-6월 30일까지
 오스트리아 빈 황제 가구박물관.

* 이 글은 2001년 4월에 『디자인 정글』 해외뉴스 리뷰에 실렸던 글임을 다시 게재하는 것임을 밝혀 둡니다.