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팝 아트 디자인

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로이 리히텐슈타인 (Roy Lichtenstein) 『Image Duplicator』, 1963년 작품 © Roy Lichtenstein.

POP ART DESIGN – STOCKHOLM 20세기 중엽, 팝 아트는 온세상에 그 이전과는 전혀 다르고 과격한 시각문화를 선사했다. 팝 아트가 소개되자 마자 전세계 인류는 새로운 문화 아이덴티티라는  참신하고 매력적인 꼬까옷으로 새 단장하기 시작했다.

대량생산체제에 의존한 대량소비 라이프스타일, 유명인과 연예인을 향한 동경, 나날이 번창해 나간 광고산업과 인쇄산업이 그같은 전격적인 신시대 개막을 뒷바침했다.

스톡홀름에 있는 근대미술관 (Moderna Museet)에서는 워홀, 라우센버그, 헤이워드, 리히텐스타인, 이임즈 부부, 판톤, 카스틸리오니, 넬슨, 솟사스 등 팝 아트의 영향 아래서 현대 미술과 산업용품을 정리해 본 전시회 『팝 아트 디자인 (Pop Art Design) 』전을 지난 주인 6월29일부터 전시하고 있다.

오늘날 이른바 팝 아티스트라 일컬어지는 미술가들이 활동했던 당시는 라디오와 텔레비젼이 일반대중들의 가정으로 속속 침투하기 시작한 때, 이른바 ‘대중미디어 (Mass Media)의 시대’였다. 동시에 때는 광고산업과 일상품의 대량생산체제가 가속화되며 전세계는 잠재시장으로, 대중은 소비자로 비춰지기 시작했다. 전후 시대 유럽과 미국의 미술가들과 디자이너들은 이토록 전격적으로 새로운 경제적・사회적・문화적 변화를 포착해 시각예술로 옮겨 표혔했다.

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제임스 로젠퀴스트 (James Rosenquist) 『I Love you with my Ford』 1961년 작품. Moderna Museet Collection © VG Bild-Kunst, Bonn 2012 Photo: Moderna Museet / Stockholm.

1950년대 이후 사회 속 구미인들은 텔레비젼, 신문, 잡지가 쏟아내는 대중매체, 상품광고, 로고타입, 상품포장지를 일상 속에서 접하면서 그로 인상받은 새로운 미감에 속속 익숙해져 갔다.

2차 대전이 끝나고 냉전기로 돌입했지만 물질적 생활 면에서 전에 없이 넉넉하고 편해진 풍요와 안락의 시대, 사람들은 가문 땅에 비가 스며들듯 이 온갖 상업용품, 제품 이미지, 광고에 담긴 소비주의 시각기호들을 거침없이 – 별다른 선입견이나 비평 없이 – 빨아들였다.

“사실상 지금 현대인들은 지금까지도 팝 시대 형성된 사회의 여파가 남긴 후유증 속에서 살고 있는지도 모른다. 그 당시 떠오르기 시작한 아이디엔티티 (identity), 상업주의 (commercialism), 대중문화 (popular culture)를 둘러싼 쟁점들은 지금도 생생하게 지속되고 있다. 대중이 유명인사나 연예인을 숭배하는 현상은 예나지금이나 하나도 변하지 않았다. 게다가 인스타그램 같은 신기술 덕택에 누구나 15분 동안의 유명세 (15 minutes of fame)를 누릴수도 있게 됐다.”고 이번 전시를 기획한 마틸다 오로프-오르스 (Matilda Olof-Ors) 큐레이터는 논평한다.

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클레이스 올덴부르크 (Claes Oldenburg) 『담배꽁초 습작 (Fagend Study)』 1968/76년 작품. Louisiana Museum of Modern Art © 1968/76 Claes Oldenburg.

“팝(Pop)” 즉 대중이라는 어휘가 미술과 연계된 개념으로 구축되기 시작하던 1960년대 초, 여전히 추상표현주의 계열의 진지하고 근엄한 회화 사조와 개념주의 미술이 주도하고 있던 뉴욕의 미술계의 권위주의를 박차고 재스퍼 존스 (Jasper Johns), 알프레드 레슬리 (Alfred Leslie). 로버트 라우셴버그 (Robert Rauschenberg), 리쳐드 스탄키비츠 (Richard Stankiewicz)가 가장 먼저 미술 속에서 대중문화적 요소를 불어넣기 시작했다. 이어서 1960년대말이 되자 앤디 워홀은 유럽에서 개인전은 열 정도로 유럽에서 주유 미술사조로 인정받았다.

물론 디자인도 팝 아트 미학과 미감으로부터 강한 여향을 받았다. 일찍이 유럽 (특히 이탈리아와 독일)과 미국에서는 1950년대부터 제조업계는 디자인을 산업에 연계시킨 산업디자인을 구축시키고 상품 개발 단계에서 팝 아트의 미학을 적극 수용했다.

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Studio 65가 디자인한 『레오나르도 소파 (Leonardo, sofa)』 1969년 작품. Collection Vitra Design Museum © Studio 65. Photo: Andreas Sütterlin.

특히 찰스와 레이 이임즈 부부의 가구 디자인, 알렉산더 지라르 (Alexander Girard)의 포오크 직물디자인, 베르너 판톤 (Verner Panton)의 미래주의 팝 가구와 인테리어, 에토레 솟사스 (Ettore Sottsass), 영국 아방가르드 스튜디오 65, 스튜디오 DA(Studio DA), 수퍼스튜디오 (Superstudio) 등은 바로 그 팝 아트와 디자인 사이의 교량 역할을 한 대표적인 20세기 디자이너들로 꼽힌다.

이 전시는 본래 비트리 디자인 뮤지엄이 기획했다. 현재 스톡홀름 근대 미술관에서의 전시가 끝나면 덴마크 루아지아나 근대미술관,  런던 바비컨 아트 갤러리로 차례로 옮겨져 순회전시를 계속할 예정이다. 스톡홀름 근대미술관에서 열리는 이번 전시는 2013년 6월 29일부터 9월29일까지. All Images Courtesy of Moderna Museet Stockholm.

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