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카를로 스카르파의 유리 공예

VENETIAN GLASS BY CARLO SCARPA: THE VENINI COMPANY, 1932-1947 at the Met

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6. Rigati e tessuti glass vases and bowl_Scarpa_300« Rigati e tessuti glass vases and bowl ca. 1938–1940 Private collection/Private collection/Chiara and Francesco Carraro Collection, Venice; European Collection.

전설적인 이탈리아 근대 건축가 카를로 스카르파(베네치아, 1906-1978). 같은 고향 청년이자 베네치아 아카데미아 디 벨레 아르티(Accademia di Belle Arti)에서 건축을 공부한 스카르파를 일찍부터 알고 있던 유리공방 창업가 겸 주인이던 파올로 베니니(Paolo Venini)는 갓 스무네살 난 젊은 건축가 카를로 스카르파와 만나 자신의 유리공방의 예술컨설턴트로 일해 보는 것이 어떻겠냐는 제안을 했다. 그 후 이 창조적 파트너십은 12년 동안 이어졌고, 스카르파는 전통 유리 공예 기술과 스타일을 전격 근대화시키며 무려 300점의 절묘하고 아름다운 유리 공예품을 만들어냈다.

이탈리아의 건축가들의 경우 흔히 그러하듯, 젊은 유망주 건축가 스카르파는 대학 스승 귀도 치릴리(Guido Cirilli) 밑에서 조교로서 강의하면서 지역 건축물 보수개조 프로젝트 일을 주업으로 했다. 그러나 그에게는 건축일 외에 또다른 숨은 열정이 가슴 깊이 숨쉬고 있었는데, 유리 디자인이 바로 그것이었다.

2. Mezza filigrana group image_Scarpa_400» Green mezza filigrana glass bowl of ovoid section, 1934, Private collection/Large sky-blue mezza filigrana glass vase on blown-glass foot, 1934, Private collection/Green ovoid mezza filigrana glass vase, 1934–36, The Olnick Spanu Collection, New York.

일찍이 스무살 나이에 건축 공부를 하면서 스카르파는 M.V.M. 카펠린(M.V.M. Capellin) 유리공방에서 6년 간 일했지만 안타깝게도 부도로 이 공방은 문을 닫았다. 하지만 1932년부터 베니니 유리공방에서 작업하게 시작하면서 카르파는 그동안 다져온 한결 혁신적인 유리불기 기술과 색채기법을 한껏 꽃피우는 전기를 맞이했다. 수 백년 베네치아 무라노 섬은 이제 20세기 초 유리디자인 기술혁신의 중심지로 그 위력을 떨치기에 이르렀다.

카를로 스카르파가 개척한 가장 대표적인 양식의 하나로 꼽히는 볼리치네 (Bollicine) 작품 시리즈는 베니스 비엔날레에서 처음 소개되었을 당시 1934년, 유리공예 세계서 이전까지 보지 못했던 아름다움과 기술로 비평가들을 놀라게 했다. 이어서 밀라노 트리엔날레와 다음회 베니스 비엔날레서 다시 새로운 작품들을 선보이며 ‘모더니즘 아방가르드의 최점단 제작품’이라는 높은 평가를 받았다. 그의 볼리치네 시리즈 중에서도 특히 메짜 필리그라나 (Mezza filigrana)는 가능한한 유리를 두께를 극도로 얇게 불어 만들고 공기 방울이 유리 안에 사로잡히도록 제작하는 기법을 써서 제품의 무게가 극도로 가볍고 보기에 더할 나위 없이 우아하고 섬세하다.

4. Truncated cone-shaped glass vase of murrine romane_Scarpa_300그런가하면 카를로 스카르파는 이탈리아인 답게 과거 고대 로마시대의 모자이크 유리 공예에서 영감을 되찾아 근대적인 감각으로 유리 제품의 실루엣와 패턴에 색다른 생명을 불어넣었다.

« Truncated cone-shaped glass vase of murrine romane technique
ca. 1936. Private collection.

1936년에 베니니 공방에서 생산된 무리네 로마네 (Murrine romane) 시리즈는 작은 타일들을 오밀조밀 모아 붙이는 고대 로마식 전통을 근대적으로 해석했고, 이어서 1940년대에 소개된 무리네 오파케 (Murrine opache) 시리즈에서는 중국 도자기의 외양에서 영감받아 불투명한  표면 효과를 연출해 내어 유리가 표현할 수 있는 새로운 질감성을 실험했다.

유리 공예가 요하는 매우 치밀한 기법, 유리공이 갖춰야 할 고도의 숙련도, 근대적 사물을 향한 앞선 비젼이 두루 결합되어 탄생한 스카르파와 베니니 유리공방의 협력은 오늘날 유리예술 컬렉터들과 유명 박물관에서 보관되어 있다. 특히 베네치아 유리공예품을 대거 소장하고 있는 레 스탄제 델 베트로 박물관 (Le Stanze del Vetro)에서 특별 대여해와 [2014년] 3월2일까지 뉴욕 메트로폴리탄 박물관에서 대중에게 전시될 이번 『카를로 스카르파 유리 공예 (Venetian Glass by Carlo Scarpa: The Venini Company, 1932-1947)』은 유리공예 최고의 아름다움을 감상할 수 있는 일생에 한 번 있을까말까한 소중한 기회다.

전시기간: 2013.11.5-2014.3.2
전시장소: 뉴욕 메트로폴리탄 박물관 로버트 레만 관, 갤러리 964-965

 

키드 사이즈

KID SIZE – THE MATERIAL WOLRD OF CHILDHOOD

어린시절 기억 속의 세상으로

예나 지금이나 아이들은 어른들 사이서 어른들이 어른들을 위해 만든 물건들로 가득찬 세상 속에 살고 있다. 유명한 아동철학자 필립 아리애(Philippe Ariès)에 따르면 어린 시절(childhood)란 나라와 시대가 변할 때마다 그 사회가 요구하는 규범에 조응해 변화하는 유동적인 개념이라고 지적하기도 했다. 그 말은 어른들의 물질 환경이 변화해 온 만큼 아이들의 그것도 시대와 문화에 따라서 변천해 왔다는 뜻이 된다.

Zocker_und_der_Colani_sm예컨대, 아주 오래전 서양 고대와 중세 시대에 아이들은 몸집만 작을뿐 어른과 똑같은 존재로 취급받아서 일찍부터 엄숙한 표정을 하고 어른들과 나란히 척척 일을 해내던 당당한 노동인구였다. 이후 시대가 흐르면서 어린이를 취급하는 어른들의 태도는 서서히 누그러져 오긴 했지만, 어린이는 작은 어른이라는 서구적 개념의 자취는 지금도 어렵지 않게 찾아볼 수 있으며 그래서 어린이를 위한 전용 가구와 디자인 용품들도 어른들 사이에서 서서히 변천해 온 어린이관(觀)의 변천을 반영하고 있음을 찾아볼 수 있다.

« 독일의 미래주의 디자이너 루이지 콜라니(Luigi Colani)가 디자인한   어린이용 의자 Zocker(도박꾼이라는 뜻). 1971년 륍케(Top System Burkhard Lübke) 생산.

2년전 본래 독일 비트라 디자인 박물관에서 기획되었다가 미국 피츠버그 카네기 미술관(Carnegie Museum of Art)으로 옮겨와 [2005년] 4월30일부터 9월11일까지 전시로 부쳐지는 『키드 사이즈 –어린시절 기억 속의 세상 (Kid Size : The Material World of Childhood』 展은 과거 인류사 300년 동안 어린이를 위해 만들어진 어린이 용품과 디자인 제품 130여점을 모아 보여주고 있다.

세월이 흐르는 동안 어린이용 디자인이 어떻게 변천해 왔는가를 살펴 봄으로 해서 어린이에 대한 어른들의 태도가 어떻게 변화해 왔는가를 엿볼 수 있게 해 줄 뿐만 아니라, 최근 디자인 시장에 소개되어 있는 디자인 용품들이 요즘은 어린이들을 어떤 시각으로 바라보고 있는지까지도 고찰해 볼 수 있게 해 준다.

eames_childschair1946

특히 이번 전시에서는 전시장을 거닐면 마치 어린이의 환상 세계 속을 들여다보는 듯한 유희적이고 상상력 풍부한 디스플레이 디자인까지 가세해서 어린이 관객들은 물론 어른들에게도 어린 시절의 아련한 기억을 한껏  자아내기에 충분하다.

» 찰즈와 레이 이임즈 부부가 1944년 경에 디자인한 어린이용 의자(Child’s Chair). Hermann Miller Furniture Co. 생산.

『키드 사이즈』 전시는 어린이를 위한 디자인 세계를 보다 일목요연하게 보여주기 위해서 총 6가지 주제로 구성되었다. 놀이, 이동, 잠자리, 기초 활동, 학습, 의자 등 총 6가지 주제는 어린이의 성장과 발달에 결정적인 작용을 하는 기초 아동 필요 조건들이다. 이 전시는 주제별 외에도 각가지 다채로운 색상, 모양, 소리, 촉각을 자극하는 제품들을 직접 만지거나 시험해 볼 수 있는 공간도 마련해 놓고 있다.

„어른이 되고 싶지 않아! – 놀이용품“
어린이들의 창의력, 운동 숙달능력, 학습력을 향상시키는데 도움을 준다는 교유적인 기능도 중요하지만, 그에 못지 않게 중요한 기능은 아이들이 흥미를 잃지 않고 오래 놀이에 집중할 수 있을 만큼 재미있는 장난감이어야 한다. 챨스와 레이 이임즈 부부(Charles and Ray Eames)가 1944년에 디자인한 「걷는 말(Mechanical Walking Horse)」 목마는 목재 블럭과 철제 거멀못을 이용해 구조는 단순하지만 보기에 좋고 재미있는 놀이감의 고전작이다. 그런가하면 1950년대 독일제 「장난감 가게(Toy Shop)」 모형은 어른들 세계 속에서 보는 상점 모양을 본따서 장난감 가게로 변형시킨 소꿉놀이 기구의 전형이다.

perambulator_alfonspollak

« 독일의 등나무 목공사 알퐁스 폴락(Alfons Pollak)이 디자인한 유모차는 1939년에 생산되었다. Victoria & Albert Museum, London 소장.

„엄마 나도 가요! – 어린이를 위한 탈 것“
어린이는 혼자 걸을 수 있는 나이가 되기 까지는 엄마가 이끄는 각종 탈것들에 의지해야 하는 법. 이미 1930년대에 처음 만들어져 유모차의 고전이 된 실버 크로스 프램(Silver Cross Pram)에서부터 1950년대 독일에서 크롬제 완충장치와 안전 범퍼를 부착해 만든 퍼람뷰레이터(Perambulator) 유모차 등은 무엇보다도 아기의 안전을 최우선시 했던 20세기 중엽 어린이 디자인 철학을 엿볼수 있게 해 준다.

„잘자라 우리아가! – 어린이 침대“
잠 잘자기는 어린이나 어른이나 할 것 없이 건강하고 행복한 생활을 영위하기 위한 절대 조건이다. 성장하는 아기의 편안한 잠자리를 위해 19세기에 지어진 토넷 형제(Thonet Brothers)의 등나무 요람은 오늘날까지도 요람 디자인의 원형으로 남아있다. 보다 최근에는 요람과 침대 자체의 디자인에서 벗어나서 어린이용 베개와 이불을 비롯한 잠자리 주변용품의 안락한 디자인으로 확대되고 있는 추세이다.

„도리도리 짝짜궁! –  기초 활동“
stokkettrapp먹고, 씻고, 배변 연습하기는 모든 아이들이라면 꼭 배워야 할 기초 활동들인데, 그러기 위해서는 엄마가 해야할 몫이 크다. 그래서 육야 기초 활동에 필요한 제품들은 아기의 안전보다는 엄마들의 사용편의성과 효율을 고려한 경우가 더 흔한 추세인 것도 사실. 1970년대에 만들어진 트립 트랍 의자(Tripp Trapp® Chair, 1973년)는 성인이 아가의 성장에 맞춰 좌석의 높낮이를 교정해 사용할 수 있다는 것이 특징인 제품이다.

»  노르웨이 가구사 슈토케(Stokke)에서 생산하는 트립 트랍 아기용 보조의자.

„하나, 둘, 셋 – 학습을 위한 디자인“
오늘날 우리가 당연스럽게 여기고 있는 공공 학교 어린이 교육법은 19세기로 와서나 시작된 근대적인 교육론의 산물이라고 한다. 학교, 교실, 그리고 정렬된 책걸상, 칠판 등은 어린이들이 주변으로부터 방해받지 않고 집중해서 공부할 수 있도록 고안한 기능성 설비들이었다. 기존의 경직되고 불편한 책걸상 형태에서 벗어나서 탁상이 기울어져 있는 불리치토 데스크(Burichito Desk, 1994년)는 학습 효과 향상에도 도움이 된다. 책상과 더불어 걸상 디자인도 어린이 사용자들의 자세를 바르게 하고 공부에 도움이 되도tipi1_z록 디자인되고 있는 추세다.

« 동심을 격려해 주기 위해 장난성과 귀여움을 한껏 가미한 티피 의자는 핀란드의 디자이너 에에로 아아르니오가 디자인했다.

누가 내 의자에 앉았었지? – 어린이용 의자“
예로부터 어른들은 어린이용 의자를 성인용 의자와 똑같되 다만 크기만 작게 줄여 제작해 왔다. 예를 들어 셰이커 교인들의 흔들의자나 프랑스 루이15세가 어릴때 썼다는 팔걸이 의자만 봐도 그렇다. 최근들어 어린이를 소비 시장의 겨냥한 디자인 시장에서는 어린이들의 감성에 어필하는 재미와 놀이 개념을 도입해 어린이의 상상력을 자극하려 애쓰고 있다. 계란 모양에서 영감을 받아 디자인 한 타란티노 스튜디오의 에그롤 의(Eggroll Chair)와 에에로 아아르니오(Eero Aarnio)의 티피 의자(Tipi Chair)는 그런 좋은 예들. Photos Courtesy of Carnegie Museum of Art, Pittsburgh.

20세기 디자인 역사를 새롭게 보는 눈

BOOK REVIEW by translator

한국출판문화산업진흥원 선정 2013년 9월 ‘이달의 읽을 만한 책’ 에 실린 추천글 보기. 여기 클릭.

조나단 우드햄의 본 저서는 일명 ‘새로운 디자인사(New Design History)’라고 일컬어지는 산업 디자인사 분야의 핵심 개론서이다. 디자인사에서 미술사학자 니콜라우스 페브스너(Nikolaus Pevsner)가 그의 기념비적 저서인 『근대 디자인의 선구자들(Pioneers of Modern Design)』(본래 1936년 Pioneers of the Modern Movement라는 제목으로 초판 발행)이 18세기말 영국의 미술과 공예 운동을 서양 디자인 역사의 출발점으로 삼아 20세기 전반기 독일 바우하우스 운동까지를 서술했으나 서술 시각이 지나치게 보수적이고 양식적 변천사 위주라는 비판을 받았다.

최근 미국 일리노이 공과 대학의 존 헤스켓(John Heskett) 교수가 1985년 출간한 『산업 디자인의 역사(Industrial Design)』(본래 1936년(Thames &  Hudson, World of Art Series, 1990); 한국어판은 시공아트총서 간)은 제품, 브랜드 등을 포함한 산업 디자인 분야에서 일상 생활 용품으로서 디자인 제품/디자인이라는 시각으로 서술된 가장 보편적으로 읽히는 디자인사 개설서로 자리잡았다. 이에 우드햄의 본 저서은 디자인의 역사를 서술하기 위해서 디자인 발달전개 과정을 20세기 서구 유럽, 미국 및 아시아에서 본격화한 산업화, 경제 체제와 문화의 미국화 (Americanization), 다국적 기업의 번창과 그에 따른 비즈니스 환경의 변화, 팝과 포스트모더니즘의 설명되는 후기 산업사회 문화, 소비주의 문화와 같은 보다 폭넓은 시각과 이슈의 측면에서 설명한다.

디자인 학계가 그의 디자인 역사학을 두고 새로운 디자인사(뉴 디자인 히스토리)라고 평가하는 것도 바로 그 때문이다. 특히, 지난 최근 몇 년 동안 유럽 디자인계과 문화 이론 (Cultural Studies)에서 디자인의 대중화 현상과 함께 자주 거론되어 오고 있는 ‚소비주의(consumerism)’ 현상을 이해하는 데에도 유용한 기초를 제공해 준다. 디자인사에서 가장 잘 알려져 있으며 명작으로 꼽히는 디자인 작품들은 미술관과 박물관에 소장된 대가들의 작품들이 아니라 맥도널드 로고, 코카콜라 병과 로고, 오늘날 일반화된 현대식 ‚프랑크푸르트식 주방’. 1950년대에 유행한 유선형 자동차 디자인 등 20세기 한 백년 동안 생산된 디자인 제품들은 그 시대 저마다의 독특한 정치, 경제, 사회, 문화적, 기술적, 미학적 환경이 표출된 복잡다단한 시각적 표현의 결과라고 저자 우드햄은 이 책을 통해서 주장한다.

또한 저자는 디자인사에서 거장으로 평가되는 20세기 디자인 주요 인물들의 이름과 작품 세계도 잊지 않고 포함시킴으로 해서 기존 디자인사의 대맥을 인정한다. 본 저서는 디자인 역사를 한 눈에 조명해 볼 수 있는 개설서임과 동시에 시각 예술 바깥의 다양한 외부적 요인들을 디자인의 역사와 나란히 이해할 수 있도록 돕는 문화 비평서로서 미술, 공예, 디자인 분야 대학의 필수 교재로서는 물론 시각 예술, 20세기 디자인, 대중 문화 이론 등에 관심있는 일반인 독자들과 연구가들에게도 매우 유용하고 유익한 정보원이 되어 줄 것으로 믿어진다.

더구나 서체 디자인이나 그래픽 디자인 분야에서는 해외 기초 개설서 및 필독서는 국내에 이미 상당수 번역출간이 되어 있으나 산업 디자인 분야에서는 그에 상당하는 해외 디자인사 필독서가 번역되어 있지 못한 국내 미술/디자인 분야 이론적 개설서 시장에 기여할 것이라고 기대된다.

20centurydesigncoversigongart_sm-212x300이 책의 문체는 대체로 직설적이며 난해하거나 전문적이지 않다. 디자인 역사서인 만큼 날짜, 고유 명사, 이미지 자료 사진(흑백과 컬러) 등이 다수 포함되어 있다. 저자 조나단 M.우드햄은 현재 영국 브라이튼 대학 (University of Brighton) 디자인학 교수이며 본 저서 이외에 『A Dictionary of Modern Design』(2005), 『Kettle: an Appreciation』(1997), 『Twentieth-Century Ornament』(1990), 『Industrial Designer and the Public』(1983) 등이 있으며, 정치, 경제, 사회, 문화적 시점에서 디자인의 변천 발달을 분석하는 저서들을 주로 집필한다. 가장 최근 2002년에는 한국을 방문해 ICSID 가 주관한 „어울림“ 서울 디자인 콩그레스에서도 강연한 바 있다.

서명: 20세기 디자인(Twentieth-Century Design, Oxford History of Art Series)
저자: 조나단 우드햄(Jonathan M. Woodham)
출판사: 옥스퍼드 대학 출판사 (Oxford University Press)
출판 년도: 1997년 ISBN : 0-19-284247-1/0192842048 / 분량 : 총 288쪽.
한국어 번역판: 『20세기 디자인』(번역: 박진아/시공사 시공아트 간, 2007년 1쇄/2009년 2쇄/2011년 3쇄 출간)
목차: 서문 1장 : 20세기를 향하여 2장 : 디자인과 모더니즘 3장 : 상업, 소비주의, 디자인 4장 : 디자인과 국가별 아이덴티티 5장 : 제2차 세계 대전 – 전후 재건과 부흥 6장 : 다국적 기업과 글로벌 제품의 탄생 7장 : 디자인 프로모션, 디자인 분야 직업 세계, 디자인 경영 8장 : 팝에서 포스트모던까지- 가치관의 변화 9장 : 노스탤지아, 유산, 디자인 10장 : 디자인과 사회적 책임 후기 삽화 설명 참고문헌 에세이 디자인사 연표 색인